Debido a sus muchas carencias materiales, el programa de exposiciones del [M]UMoCA se ha desarrollado ocupando otras instituciones culturales o la vía pública, siempre de manera clandestina.
Indignadas
María María Acha-Kutscher
Sábado 11 de enero 2020
Exposición de dibujos de Indignadas, editados como posters y pegados en la fachada de un comercio abandonado en el 260 de la calle Alcalá, Madrid. Los carteles se pegaron ante el público del museo a las 12 h., como parte del programa extramuros del [M]UMoCA.
Indignadas consiste en un registro visual de la participación femenina en las protestas públicas a nivel global. El registro incluye movimientos sociales como el 15M (España), Occupy Wall Street (Nueva York), y movimientos feministas como Femen, Pussy Riot, SlutWalk y Alfombra Roja (Perú). Acha-Kutscher convierte fotografías de prensa y de testigos de estas protestas en dibujos que se imprimen en lonas de gran formato para su exhibición en espacios públicos.
El objetivo de la serie Indignadas es hacer visible, reclamar y poner a la mujer en el centro de esta lucha social. Un registro de memoria que recuerde a las generaciones futuras que los cambios sociales a través de la historia fueron realizados por mujeres y hombres conjuntamente.
Los dibujos muestran un cuerpo femenino que no se ofrece como objeto de deseo para los ojos del hombre, sino como soporte para el mensaje político. Al transformar las fotografías en dibujos, las ubico en una supuesta «atemporalidad» del arte. Esta es otra manera de conectar con la sociedad, usando el lenguaje artístico para inmortalizar estas acciones, difundir la protesta y preservar la memoria de las mujeres.
María María Acha-Kutscher (Lima-Perú, 1968). Artista visual feminista. Vive en Madrid y trabaja globalmente. El centro de su trabajo es la mujer. Su historia, la lucha por la emancipación y la igualdad, y la construcción cultural de lo femenino. Su obra no se adscribe a ningún lenguaje, estética o estilo, ni se identifica con técnicas o formatos específicos. Acha-Kutscher organiza su trabajo en proyectos de largo plazo, para cada uno de los cuales desarrolla un lenguaje y una metodología propios. Se define como artista feminista por la dimensión política de su obra, que cumple una doble función, la de ser un producto artístico y también un instrumento que pueda cubrir alguna necesidad social y contribuir a las transformaciones políticas.
Infiltrada
María Gimeno
7 de abril 2021
“Urdimos un plan. Primero el trabajo de campo: visita con el director del museo más pobre del mundo [M]UMoCA a la pinacoteca. Analizamos qué obras interesan, dónde está ubicadas y cómo están vigiladas. El día de la acción somos cuatro mujeres, cada una tenemos nuestro papel. Una viste las obras, otra las fotografía y dos dan el agua. En el museo está prohibido hacer fotos. Quedamos en un café, les muestro los planos del museo y el recorrido planeado. Primero el Greco y después Goya. Entre ambos, improvisamos con las grandes obras de la colección. Durero, Anguissola, Velázquez, Gentileschi. El recorrido se realiza como estaba planeado. Las aguadoras entretienen a los vigilantes y hacen de barrera visual para que la fotógrafa haga su trabajo. La Caballera va en la capa exterior, esconde a Saturno, ambas piezas se van alternando dependiendo del cuadro frente al que esté situada. Todas disimulamos. Cuento historias a mis tres compañeras sobre las obras mientras escucho atenta las instrucciones de la fotógrafa: –Más a la derecha. Gírate ligeramente. Aguanta. Espera. Ahora. Ya está.”
Infiltrada es una performance realizada ex profeso para la colaboración con [M]UMoCA. La artista se infiltra en el Museo del Prado con dos bordados, realizados por ella misma, cosidos a su ropa: una réplica del cuadro El caballero de la mano en el pecho, del Greco, en el que ha substituido el rostro del caballero por su autorretrato, y Saturno devorando a sus hijos de Francisco de Goya.
La acción cuestiona el orden patriarcal implícito en las colecciones de arte, introduciendo un elemento disruptivo en el recorrido de los turistas por el museo: los dos bordados y el cuerpo de la artista como soporte de la obra de arte, una de las claves de arte feminista de los años 70, que María Gimeno retoma en su “infiltración”.
Infiltrada se inscribe en el marco del proyecto Queridas Viejas a modo de comentario al margen. Queridas Viejas es una conferencia performativa en la que la artista incluye mujeres artistas en el manual Historia del Arte de E. H. GOMBRICH (1909-2001), un libro con el que varias generaciones han estudiado arte en todo el mundo, y que en sus primeras ediciones no incluía ni una sola mujer artista. Historia del Arte es el icono del canon establecido y que define lo que es Arte con A mayúscula. La acción implica engordar el libro, “haciendo sitio” a las mujeres creadoras, mediante cortes de cuchillo en su interior para incluir las páginas que faltan. Estas han sido están minuciosamente confeccionadas tras investigar a cada una de las artistas, y su diseño es una réplica fiel del libro original.
María Gimeno (Zamora 1970) Vive y trabaja entre Madrid y Londres. Licenciada en B.B.A.A. (UCM)
Artista multidisciplinar, trabaja diferentes medios con el fin de poder expresar de manera concreta los conceptos que le interesan. Su trabajo está implicado con la situación de la mujer en el siglo XXI y con el compromiso de ser artista. El trabajo de Gimeno ha desdibujado las fronteras de las técnicas moviéndose entre instalación, performance o vídeo y técnicas clásicas como dibujo, bordado o escultura.
Desde 2014 viene desarrollando el proyecto performativo Queridas viejas, se trata de una revisión de la historia del arte sin censuras de género.
Desde sus años de formación a expuesto su obra de manera constante en galerías y museos. Ha realizado exposiciones individuales en España, Suiza, México, Alemania, Servia y Yemen así como colectivas en varias ciudades europeas y americanas o del norte de África. Su obra forma parte de colecciones privadas e institucionales.
En 1998 fundó la galería de arte alternativo “espacio f” en Madrid.
Actos de memoria
Nieves Correa
12 junio 2021
La acción de Nieves Correa se desarrolla en dos planos paralelos: por una parte, un vídeo que reúne imágenes del edificio del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, antes Hospital General de Madrid, y de su familia, a partir del hecho de que su abuelo materno estudió medicina e hizo prácticas en dicho hospital. Por otra, un código QR que se introduce clandestinamente en el MNCARS, con autoadhesivos que pega en los baños, de manera que el visitante puede acceder al vídeo, sin más información que el título de la pieza.
En toda la serie “Actos de memoria” planea la idea de “redención” presente en el pensamiento de Walter Benjamin; la necesidad de rescatar a todos y cada uno de los seres humanos del olvido, traerlos de nuevo al presente para que ninguna voz ni ningún sentimiento quede aplastado por los vencedores, por aquellos que escriben la historia con mayúsculas.
Porque la historia no es cosa del pasado sino del presente. El pasado no “ha pasado”, no pertenece a un tiempo cerrado y lejano sino a un tiempo activo en un sentido tangible, un tiempo abierto y presente que hace que la práctica de la historia sea algo que tiene que ver más con la acción que con el conocimiento.
Esta serie revisa también la idea de “monumento” desde el momento que recuerda y pone en valor la “memoria individual” de una de tantas personas anónimas, en este caso mi abuelo, y que no se materializa en el espacio geométrico sino en un “espacio virtual” que puede reproducir indefinidamente todo aquel que posea un teléfono móvil con lector de códigos QR.
Nieves Correa (Madrid, 20 de abril de 1960) Licenciada en Historia del Arte se ha formado, entre otros, con Concha Jerez, Isidoro Valcárcel Medina, Francesc Torres y Antoni Muntadas.
Comienza su carrera en el Arte de Acción y la Performance a finales de los años ochenta y desde entonces a participado en festivales y encuentros en Europa fundamentalmente pero también en Canadá, Ecuador, Argentina, Uruguay y Japón.
“Mis performances están siempre relacionadas con el espacio en el que suceden, me gusta explorar y explotar las posibilidades físicas y/o simbólicas del lugar en el que trabajo; y ese espacio me ayuda a conformar la estructura formal de mis propuestas. Es posible que un material, una situación o una obsesión desencadene un proceso, y a partir de esa primera aproximación construyo la performance desde una perspectiva formal analizando el tiempo, el espacio, mi presencia, la audiencia, el material……!
Su obra plástica se nutre siempre de sus propias performances o tiene como punto de arranque un “proceso performativo” en el que el cuerpo, el espacio y el tiempo están presentes. En la mayoría de sus piezas utiliza la fotografía en relación a su cuerpo, un cuerpo que siente y muestra fragmentado, en diálogo con elementos y materiales que ha utilizado y modificado en sus obras en vivo.
P.A.R.A.S.I.T.E. Museum of Contemporary Art
Tadej Pogačar.
24, 26 y 29 de junio y 1 de julio de 2021
P.A.R.A.S.I.T.E. presenta en Madrid una acción distribuida en cuatro días sucesivos: a lo largo del llamado Paseo del Arte, de Cibeles hasta Atocha, una “mujer-anuncio” porta sobre su cuerpo un cartel diferente para cada sesión, con frases provenientes de textos firmados por el PMCA entre 1995 y 2009. Los carteles se muestran frente a las instituciones artísticas que tienen su sede en el Paseo: CentroCentro, Museo Thyssen-Bornemisza, Museo del Prado, Caixa Forum y por fin el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. También los Palacios de Velázquez y Cristal en el parque del Retiro y en la Casa Encendida y Tabacalera.
Las proclamas de P.A.R.A.S.I.T.E. se insertan así en el principal eje cultural de Madrid para cuestionar las estrategias de poder desempeñadas por estos centros.
Just as there is no lion without a cage,
no native American without a reservation,
no painting without a frame,
there is no art without a museum.
P.A.R.A.S.I.T.E. Museum of Contemporary Art 1995
Plagiarism is necessary part of progress!
P.A.R.A.S.I.T.E. Museum of Contemporary Art 2001
In P.A.R.A.S.I.T.E. We Trust!
P.A.R.A.S.I.T.E. Museum of Contemporary Art 2004
This is not America
P.A.R.A.S.I.T.E. Museum of Contemporary Art 2009
En 1993 Tadej Pogačar fundó el P.A.R.A.S.I.T.E. Museum of Contemporary Art, como marco general de sus actividades. P.A.R.A.S.I.T.E. Museum habita en los cuerpos de otros museos e instituciones artísticas, donde reorganiza los materiales que encuentra para destacar ciertas ideas esenciales, principios a menudo ignorados, que determinan la manera en que las instituciones artísticas construyen nuestro conocimiento tanto de las tradiciones pasadas como del presente. Su funcionamiento se enfoca al análisis y deconstrucción de los centros simbólicos del poder y la búsqueda de modelos paralelos en lo cultural, lo económico y lo social. P.A.R.A.S.I.T.E. Museum of Contemporary Art establece relaciones interespecíficas con instituciones y grupos sociales, con el fin de impulsar cambios en su funcionamiento mediante el análisis de las relaciones y acciones dentro de estos sistemas. P.A.R.A.S.I.T.E. Museum ocupa territorios, elige espacios, interrumpe relaciones y se alimenta de los fluidos/ la savia de las instituciones.
Tadej Pogačar (Ljubljana, 1960) es artista, curador y director artístico del Centro y Galería P74. Estudió etnología e historia del arte en la Facultad de Artes de Ljubljana y en la Academia de Bellas Artes de Ljubljana. Sus proyectos comienzan con un largo periodo de investigación artística y superponen los campos de la etnología, la antropología visual y cultural, la historia, el arte multimedia y visual y el compromiso social. Sus planteamientos están influenciados por el concepto de parasitismo de Michel Serres, los textos de Paul Veyne sobre historia y patrones lingüísticos, y la Internacional Situacionista, entre otros. El “parasitismo” de su trabajo es una deconstrucción sutil del horizonte de lo cotidiano, así como de los implacables desafíos a los sistemas empleado para establecer y mantener el centro, la dominación y el poder. Ha expuesto en múltiples museos, galería y ferias de arte en todo el mundo.
Protesta APCOM
Tom Lavin
3 de julio 2021
El [M]UMoCA, además de funcionar por sí mismo como una obra de arte, es el marco en el que se desarrollan las propuestas del programa y la serie de acciones víricas realizadas por Tom Lavin. Dentro de esta serie se organizó la primera manifestación de los APCOM, Artistas Precarios Contra la Opulencia Institucional, una plataforma ciudadana ficticia que reclama la redistribución de los recursos públicos destinados a las artes visuales, de manera que recaiga mayoritariamente en la creación, y no en la exhibición del arte, como hasta ahora. En la manifestación se exhibió frente al Museo Reina Sofía de Madrid una copia de gran formato de La Pirámide del Sistema de Arte, impresa como roll-up. El acto contaba con los permisos reglamentarios del Ministerio del Interior.
Convocatoria de la manifestación de APCOM: https://antimuseo.org/apcom/
Las actividades 2019-2021 del [M]UMoCA -el museo más pobre del mundo- se han realizado con el apoyo del programa de ayudas a la creación y la movilidad del Ayuntamiento de Madrid.
ANTIMUSEO 